martes, 19 de marzo de 2013

Fotografía: Aprendiendo a trabajar la luz. (Parte 2)

Y aquí llegó la segunda parte del tema que dejamos pendiente en el artículo anterior, así es que si no ha leído la primera parte, se lo recomiendo, sobretodo si no está muy familiarizado con el tema de la teoría fotográfica.

La vez pasada se explicó lo que era el ISO en las películas fotográficas y que hoy también se aplica a la fotografía digital. Y aquí quiero tocar un tema importante: en el mercado de la fotografía digital encontraremos cámaras compactas y cámaras reflex. En general las cámaras compactas son cámaras hechas para nivel usuario, una cámara que sus funciones están pensadas en su mayoría para ser automática. Probablemente tenga opciones básicas y funciones automatizadas para lograr el mejor resultado posible al momento de disparar, cosa que una persona que no tenga la más absoluta idea de sacar fotografías, obtenga un buen resultado.

Dependiendo de la marca y modelo se podrán personalizar algunos ajustes antes de sacar una foto y permitan hacer un disparo con opciones manuales, pero siempre a un nivel más principiante. En algunas cámaras compactas ni siquiera encontrarán la opción para cambiar el ISO. Pero lo más importante es que tampoco da la posibilidad de hacer un intercambio de lentes (objetivo). En las cámaras compactas se emplean sensores de tamaño reducido, lo que conlleva distancias focales igualmente más cortas y por tanto casi todo en la fotografía aparece enfocado (profundidad de campo alta, lo explicaré más adelante).

Por otro lado, las cámaras reflex están compuestas por dos partes: un cuerpo y un objetivo (lente). El objetivo es un dispositivo intercambiable e independiente de la cámara, diseñado para cubrir una necesidad particular del usuario de alcance o cobertura angular, o requisitos especiales como distorsión (ojo de pez) o cambio del plano de enfoque (tilt-shift) entre otros. El objetivo contiene, por lo general, un mecanismo para la regulación de la luz (diafragma) y un mecanismo de enfoque. El cuerpo de la cámara contiene un espejo, ubicado a 45° respecto al plano de la imagen, cuya función es desviar los rayos hacia una pantalla traslúcida (pantalla de enfoque) mate que permite visualizar y enfocar la imagen. Generalmente la luz se vuelve a reflejar en un pentaprisma ubicado encima de la pantalla de enfoque, cuya función es desviar la imagen hacia el observador y enderezarla, puesto que el objetivo la proyecta de forma invertida. En el momento del disparo, el espejo se levanta y se abre el mecanismo obturador, para dejar pasar los rayos de luz directamente hacia el dispositivo de captura, el cual es un sensor de imagen en el caso de una cámara digital. En una cámara reflex digital se podrán tomar fotografías a nivel profesional, donde se puede manipular un gran abanico de funcionalidades (incluyendo el ISO claramente) donde su base se encuentra en la fotografía análoga. También se puede escoger la extensión de archivo de salida donde podrán encontrar el formato RAW (les contaré de este formato en otro artículo).

Fue medio cabezón el párrafo anterior, pero es necesario comprender estas diferencias y familiarizarse con algunos términos para entender lo que les voy a explicar ahora. En directa relación con lo hablado, les hablaré de la Apertura y de la Velocidad encontrando de esta forma las piezas para generar el triángulo de la exposición junto al ISO.

La Apertura es el tamaño del diafragma del objetivo de la cámara. El diafragma es una abertura que podemos controlar para que sea grande o pequeña. Al igual que la pupila del ojo humano, la apertura se ajusta para dejar pasar mayor o menor luz hacia el sensor de nuestra cámara. Se mide en unidades llamadas stops, en el caso del diafragma se les denomina f/stop.  Cada f/stop representa el doble o la mitad de luz que el lente permita pasar, según se cierre o se abra el diafragma. Esta relación inversa entre la luz y el f/stop es difícil de entender al principio pero en resumen y más simple: cuanto mas grande sea el numero f/ menos luz llega al sensor y cuanto mas pequeño es el numero mas luz llega al sensor. Cuando la apertura es pequeña (f/32) se genera una profundidad de campo alta, lo que quiere decir que el objeto principal saldrá enfocado y su fondo también. Al usar aperturas más grandes (f/5,6 ó f/2), la profundidad de campo será baja, lo que quiere decir que el objeto principal saldrá enfocado y su fondo desenfocado (esto dependerá también del tipo de objetivo que estemos usando).

Gráfico de aperturas de una cámara.
La Velocidad es el tiempo en que el obturador de la cámara permanece abierto, permitiendo que la luz que pasa por el lente llegue al sensor.  Usualmente se mide en segundos, la mayoría de los casos en fracciones de segundo, por ejemplo 1/125 1/1000 etc. Al igual que la abertura de diafragma, la obturación se mide también en stops. Aquí también tenemos una relación inversa: cuanto mas rápida es la obturación, menos tiempo el sensor es expuesto a la luz y cuanto mas lenta es la velocidad, mas tiempo el sensor recibe luz.
Obturador
De la misma manera que el valor f/ afecta la imagen (profundidad de campo), la velocidad de obturación, también afecta nuestra imagen y nos permite lograr diferentes efectos. Por ejemplo, obturaciones rápidas, arriba de 1/400, congelan la imagen. Esto es útil para deportes, o cuando necesitamos congelar un salto a algo con mucho movimiento. Velocidades bajas generan sobre los objetos en movimientos un especie de estela, llamado comúnmente motion blur y sirve para dar una mirada distinta sobre el movimiento. Por ejemplo una fotografía tomada a una carretera en la noche, las luces de los autos se verán como líneas luminosas.

Gráfico de velocidad de obturación con el efecto que generan las diferentes velocidades

Teniendo en consideración la Apertura y la Velocidad para llegar a una buena exposición de la fotografía nos debemos guiar por una herramienta incluída en toda cámara: el fotómetro. De acuerdo a la apertura que estén utilizando, el fotómetro les marcará la velocidad adecuada para lograr una buena fotografía de manera que no salga sub expuesta (muy oscura) o sobre expuesta (muy clara).

Mezclando el ISO, la Apertura y la Velocidad lograrán llegar a una buena exposición de acuerdo al efecto que ustedes le quieran dar (motion blur, profundidades de campo, etc.). Cualquier duda o aporte estoy abierto a recibirlos. ¡Hasta la próxima!


sábado, 16 de marzo de 2013

Fotografía: aprendiendo a trabajar la luz. (Parte 1)

Todas las formas que alcanzamos a distinguir es gracias a la presencia de luz. Sin luz no distinguiríamos absolutamente nada. Un pequeño haz de luz ya nos hace distinguir algún objeto, alguna pequeña forma que nuestros ojos captan tratando de darle algún sentido.

¿Se han fijado en los ojos de otra persona al estar expuestos a la luz? La pupila al recibir más luz de lo que el ojo ya estaba acostumbrado se hace más pequeña para dosificar toda esa luz extra. Así el ojo puede encandilarse y comienza un proceso de acostumbramiento a esa luz. La fotografía hace algo bastante parecido así es que tomando esta explicación de base, les contaré cómo funciona la base de la fotografía. ¿De qué les servirá todo eso? Pues al comprender el proceso, podrán obtener mejores resultados en sus fotos.

Primero quiero partir hablándoles de la fotografía análoga, que es la base para todo el instrumento digital que usamos hoy. Y lo principal para sacar una fotografía en forma análoga es la película, el "rollo", la carga, o como prefieran llamarlo. Yo lo llamo la película. ¿Cómo funciona la película? ¿Qué hace que después de haber sacado nuestras fotos resulte en un negativo que se convertirán en fotografías?


Creo que sabemos que la película es terriblemente sensible a cualquier luz (sí, a la luz roja también) y se "quema" con facilidad si es expuesta a ella. ¿Por qué? ¿qué hace que sea tan sensible a la luz? Pues la película esta compuesta por pequeñas partículas de plata fotosensibles que se "queman" con la luz directa. La cámara al tomar una fotografía deja pasar por segundos o fracciones de segundo una determinada cantidad de luz que se "imprime" en la película que se encuentra atrás de la cámara. A simple vista esto no se puede ver, pero al momento de revelado de la película tenemos unos químicos llamados Revelador y Fijador. El Revelador tiñe todas aquellas partículas que fueron alcanzadas por la luz, y luego el Fijador detiene el proceso y hace que las partículas de plata no se sigan quemando. Así aparece el negativo.

Comprender este proceso nos ayuda a entender qué es el ISO. En las películas podemos escoger lo que es el ISO. Hay ISOs de 25 hasta 3200, pero el más común y convencional para sacar fotos es el ISO 100. ¿Qué es esto entonces? Nada más y nada menos que el tamaño de las partículas de plata. En un ISO 25 las partículas de plata son muy pequeñas. En un ISO 3200 son mucho más grandes. Esto nos ayudará a escoger la película de acuerdo a las condiciones de luz. Si el lugar donde sacaré mis fotos es oscuro, probablemente utilizaré un ISO 400, 800 o más, ya que las partículas de plata son más grandes y se quemarán con facilidad al pequeño contacto con la luz. Por otro lado si quiero sacar fotografías donde la cantidad de luz la puedo controlar y son detalles de objetos o personas, utilizaré un ISO menor donde las partículas de plata son bastante más pequeñas, se demorarán más en quemarse, pero el resultado ofrecerá una excelente definición en la fotografía porque las partículas son pequeñas. Es como los pixeles, a mayor cantidad de pixeles, mejor definición. A menor cantidad de pixeles, perdemos definición.


Como les decía, lo normal para sacar fotografías es el ISO 100 que se comporta muy bien con cualquier tipo de luz y otorga una buena definición en las fotos. Recuerdo hace años atrás que una marca de fotografía sacó una película donde podrías sacar excelentes fotos en días nublados y la vendían como la gran cosa. No era nada más que una película de ISO 400 en vez de la convencional ISO 100. Hoy en muchos de los modelos de cámaras digitales que están saliendo podemos escoger el tipo de ISO digital para que la cámara sea más o menos sensible a la luz.

En el próximo artículo les hablaré de la apertura y la velocidad que está en directa relación con lo que les conté en esta primera parte.

¡Hasta la próxima!

jueves, 14 de marzo de 2013

Retratos: Algunas chicas de The Avengers

En otras ocasiones les he contado que debo encontrar un rostro bastante interesante para que me provoque querer retratarlo. Pero si les mostrara todos los retratos que he hecho por esto mismo me quedaría sin temas futuros de qué hablarles. Es por eso que les quiero hablar acotadamente de aquellas chicas que me llamaron la atención en las películas de estos superhéroes (Capitán América y Thor específicamente).

En primer lugar tenemos a Halley Atwell. Su rostro con una mandíbula bien angulada me llamó la atención porque por alguna razón combina perfecto con sus ojos. Halley es una actriz inglesa, nacida el 5 de abril de 1982 en Londres. Su debut fue el 2005 en una publicidad de Pringles. Su primer papel cinematográfico fue en 2007 en la película de Woody Allen "El Sueño de Cassandra". Ahora ya la conocemos como la agente Peggy Carter en la película Capitán América: El Primer Vengador.

Retrato hecho con lápiz grafito 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7 B.
Luego tenemos a Kat Dennings. Kat Dennings la conocerán más como Max en la serie "2 Broke Girls". No sabría decirles que es lo específico que me atrae de su rostro, pero sí me atrae esa personalidad que le da a sus personajes que creo que tiene mucho de ella. Ese sarcasmo y esa idea de interpretar las cosas en su propia forma. Kat Dennins (o Katherine Litwack que es su verdadero nombre), nació el 13 de Junio de 1986 y comenzó su carrera artística en el año 2000, en un capítulo de Sex and the City. Kat interpretó a Darcy Lewis en la película "Thor".

Retrato hecho en lápices grafito HB, 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7B
Finalmente les dejo a Jaimie Alexander. Su rostro tiene un perfecto balance en rasgos fuertes y duros y rasgos suaves y sutiles. Creo que es la mejor forma de explicarlo. Jaimie Alexander nació el 12 de marzo de 1984 y se ha hecho especialmente conocida por su papel en la serie Kyle XY interpretando a Jessi XX. Ahora acaba de terminar de filmar una película con Johnny Knoxville y Arnold Schwarzenegger llamada "The Last Stand". En la película "Thor" interpreta a Lady Sif.

Retrato hecho con lápiz grafito 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7 B.
Para los que echan de menos a Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson (a Cobie Smulders ya la vimos en el artículo del Paso a Paso de un Retrato en Grafito), no les he encontrado ese "kairos" que me produzca dibujarlas, así es que se aguantan (para los que no sepan lo que es "kairos", pues averíguenlo, les apuesto que si lo buscan en google les va a quedar clarito), y eso que Scarlett y Gwyneth aparecen pelirrojas.

¡Hasta la próxima!

martes, 12 de marzo de 2013

Figuras: Busto de Superman


La primera vez que intenté hacer una figura con materiales flexibles el resultado fue bastante decepcionante. Partí bien, con un esqueleto de alambre. Luego la perdición, continuar con cerámica en frío y finalmente la muerte, como me quedó mal con la cerámica en frío, terminé de tapar con arcilla. La  porquería se trizó completamente al secar, así es que tuve que pegar. Horrible. Además la textura de la figura quedó mal, llena de imperfecciones. Creo que lo único rescatable de eso fue la cabeza. La figura se trataba de Venom y fue completamente destruída para el terremoto. Claro que la boté, no me interesaba guardarla, sobretodo con un resultado tan pobre.

En fin, pasó el tiempo, fui mejorando la técnica y conociendo nuevos materiales hasta que me decidí hacer un busto para dedicarme al rostro en una figura. El modelo escogido fue Superman y para hacerlo más desafiante, usé de modelo al Superman de Christopher Reeve. Ambicioso proyecto.

Cuando se obtiene la base de proporciones con el dibujo y los retratos se hace un poco más fácil hacer un rostro en una escultura, o por lo menos eso pensaba. Igual al final la práctica es la que hará darte cuenta de todos esos detalles en los que se debe estar atento. Por ejemplo me di cuenta que mi problema en la escultura es la proporción del restro en comparación con el tamaño de la cabeza. Y es un tema, porque si el rostro te queda desproporcionado tienes que agradar la cabeza, y si agrandas las cabeza hay que agrandar el cuerpo. Un cacho. Eso fue lo que me pasó con la figura de Aragorn. Y en esta también. Y es uno de los problemas en los que se hace incapié en el artículo de "Como modelar una cabeza".

La primera etapa para realizar la escultura fue buscar - y buscar bastante - fotografías que me dieran la mayor cantidad de detalles del rostro, donde se pudieran apreciar el frente, el perfil, 3/4, etc., para comprender las profundidades del rostro y cómo se comportaban con la luz estos rasgos.

Claro que para esta escultura no fue necesario hacer un esqueleto de alambre, ya que la idea era hacer un busto. Así comenzó un proceso que duraría meses. Proceso difícil en cuanto al esculpido de la figura, ya que aún siendo más grande que las figuras que había hecho hasta ese punto, me enfrentaba a lograr que una figura tuviera un parecido con una persona muy conocida. Y como yo soy bastante exigente en esto, estuve a punto de tirar todo a la basura, ya que los primeros intentos al tratar de lograr el rostro fueron espantosos.

Mucho lijado, retoques, colocar, sacar, taladrear lograron dejar la escultura lisa, lo más parecida que pude lograr al actor y lista para las manos de pintura.

La pintura. En esta oportunidad fue la primera vez que usé pinturas acrílicas (algo que desde el principio debí haber hecho). Les cuento otra vez por si no han leído artículos anteriores que son 3 las marcas más conocidas, por lo menos en mi país (Chile). Están las Humbrol, las Testors y las Model Master. Testors y Model Master son hermanas ya que son del mismo fabricante. Creo que las Humbrol sirven más para trabajarlas con aerógrafo (yo pinto con pincel) ya que son más líquidas. Las Testors (que son las que más me gustan) son un poco más gruesas y te dan la alternativa de diluirlas más. Y las Model Master que son colores que se usan más para pintar maquetas tipo militares.

Aquí me enfrenté al tema del secado, que demora un poco. Lo otro es la limpieza de los pinceles, con agua la pintura no sale, hay que limpiarlos con diluyente y luego, cuando estén limpios, lavarlos con un poquito de lavalozas para que el químico del diluyente no mate a los pelos del pincel y los deje chascones de por vida.

La base la pinté de color metálico. Tenía color metálico en spray. Ni me acuerdo para qué figura fue que lo compré. Creo que fue para la figura de Wolverine. El resultado fue bueno, bien bueno. No excelente como yo esperaba, pero bien bueno. Al terminarla y después de hacerle una sesión de fotos, lo puse en una caja de acrílico para protegerla.

Les dejo algunas fotos del resultado. Estoy pensando en pasarle la lija y rehacer detalles del rostro para lograr más parecido, veremos que resultará de eso. 



¡Hasta la próxima!

sábado, 9 de marzo de 2013

Creatividad: haciendo trabajar el seso


En los tiempos de hoy las cosas se nos hacen más fáciles, ya que día a día la tecnología nos invade con productos que nos ayudan enormemente. Y cada día estos avances son más rápidos. Es cosa de ver los celulares,  no alcanza a salir el último modelo cuando al otro mes ya salió la versión siguiente. Tampoco quiero limitar la tecnología al campo de equipos electrónicos, la tecnología avanza en muchas áreas (textil, comida, higiene, salud, etc.), y ha generado excelentes resultados que van transformando una sociedad e incluso un proceso "evolutivo".

Sin desmerecer todos estos avances, siempre hago un ejercicio poniendo sobre la balanza los pro y los contra de todo este rápido proceso (soy libra, siempre tiendo a hacer este tipo de cosas), y al ir a la parte de los contra recordé la película Wall-E, donde vemos una sociedad totalmente tecnologizada y muy cómoda, tan cómoda que todos son obesos andando en sillas móviles. Tan tecnologizada que han caído todos en una rutina esclavizante donde casi no tienen que pensar, les dicen lo que hay que hacer, a que hora hay que hacerlo y como hay que hacerlo (si sé, suena bastanta Orwelliano). El problema está que estoy comenzando a creer que estamos pasando de la ficción a la realidad.

¿Qué tiene que ver todo esto con lo que dicta el título? (esta pregunta se está haciendo retórica en mis artículos, creo que tendré que pensar mejor los títulos). Pues está en advertir que todos tenemos una capacidad de pensamientos y de solución de problemas. Las herramientas tecnológicas deberían quedarse en eso, en herramientas, en móviles para llegar a un resultado o completar un proceso mayor. No para hacernos esclavos y zombies de esas herramientas. Las personas están perdiendo la capacidad de crear porque les da flojera pensar. Se quedan con lo que les dan.

Hay algo que dice mi viejo que siempre le encuentro la razón, antiguamente los niños eran más creativos, inventaban más juegos, conocían más cosas porque no tenían otra. Ahora bien, no estoy diciendo que hoy en el 2013 quememos los Playstation, los Nintendo y los televisores, pero son una alternativa de entretención, no son una forma de esclavizarse. Son un medio para que llegue otro creativo y con estas herramientas estimule la capacidad de pensamiento, de creación a través de un juego, de un programa, etc. O dedicarle cierto tiempo a los videojuegos y hacerse un hábito de salir un rato a la calle a jugar, a conocer a los vecinos, a ver cosas nuevas que estimulen la creatividad, de llegar a esa capacidad de encontrar una respuesta original a las cosas.

La creatividad es la capacidad de producir cosas nuevas, es la capacidad de un cerebro para llegar a conclusiones nuevas y resolver problemas en una forma original. En su materialización puede adoptar, entre otras, forma artística, literaria o científica, no es privativa para nada ni para nadie. La creatividad es fundamental para el mejoramiento de la inteligencia personal y del progreso de una sociedad. Es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por la originalidad, por la adaptabilidad y por sus posibilidades de realización concreta.
Creatividad es la producción de una idea, un concepto, una creación o un descubrimiento que es nuevo, original, útil y que satisface tanto a su creador como a otros.

Existirán persona con más capacidad creativa que otras pero yo creo en el complemento, siempre habrá alguien que no ha pensado lo que tú estás pensando. Y del complemento las ideas fluyen, y con eso la creatividad. Dicen que las personas creativas tienden a tener:

- Confianza en sí mismo
- Valor
- Flexibilidad
- Alta capacidad de asociación
- Finura de percepción
- Capacidad intuitiva
- Imaginación
- Capacidad crítica
- Curiosidad intelectual
- Características afectivas de sentirse querido y protegido
- Soltura y libertad
- Entusiasmo
- Profundidad
- Tenacidad

Yo creo que independientemente de estas características, todos podemos llegar a ser creativos. Todos.

Juguemos videojuegos (yo los disfruto bastante), veamos televisión, pero también leamos, salgamos a caminar, a jugar, abiertos a encontrar formas y cosas nuevas en lo que llamamos rutina, a responder creativamente una pregunta, a sociabilizar, a hacer imaginerías con tu familia o tu pareja. Verán que la creatividad se alimentará de todo esto y crecerá fuerte en sus cerebros.

¡Hasta la próxima!

jueves, 7 de marzo de 2013

Retratos: Susan Coffey

A través de mi biografía de Twitter (hola, soy @matlko), o de la información "Acerca de mi" sabrán que tengo cierta debilidad por las chicas pelirrojas y de piel blanca (no, no soy racista). Es por esto que en algunas ocasiones he usado como modelo fotografías de mujeres de pelo rojo o naranjo para hacer retratos.

Como también deben saber, hace algunos años soy miembro de la gran comunidad de artistas de DeviantArt, comunidad de la cual he hablado en algunos artículos y en donde tengo la galería más grande de trabajos realizados por mi, donde recibo críticas de todo el mundo. Pues bien, en esta comunidad supe de la existencia de una modelo que sube sus fotos al sitio. Claramente esta chica es pelirroja y su nombre es Susan Coffey.

Algunos deben conocer a Susan, porque al parecer sus fotos son bastante populares en la internet. Es de Estados Unidos nacida el 13 de febrero de 1990 en Metuchen, New Jersey. Se hizo conocida cuando estaba en la secundaria por fotografías que ella misma se tomaba y subía a internet. Estas fotografías se hicieron tan populares que con el tiempo la buscaron distintos fotógrafos (Sito Alvina, Yoon Insuh, Herman Brandon entre otros), y agencias de modelaje. Ahora estudia Comunicación Social (es colega mío!!) y Psicología. Tan popular se ha hecho, que ha sido portadas de revistas, como la revista para hombres Maxim. Sabe tocar piano, es amante de los animales y vegetariana, sabe de costura y hace su propia ropa, juega World of Warcraft y es fanática de los Teen Titans.
Fotografía usada de
modelo para el retrato

Sin tener mucho más que decir acerca de ella - sólo invitarlos a ver sus fotografías en su sitio de DevianArt: http://susancoffey.deviantart.com/ - les cuento de qué se trata su retrato.

Traté de probar cosas nuevas al momento que me propuse hacer un retrato de Susan, lo primero fue aumentar el espacio de trabajo, en vez de usar la medida de 21,6 x 28 cms usé 37,5 x 53 cms (bastante más grande) y como uno de los rasgos característicos de esta chiquilla es el rojo color de su pelo, debía agregarle color, por lo tanto no podría usar sólo grafitos. Así es que se me ocurrió usar una técnica mixta de lápices de colores, acuarela y grafito. Busqué una foto modelo que tuviera un fondo atractivo y donde obviamente ella me transmitiera esa "cualidad" que me hace provocar la inquietud de retratar. Les dejo el resultado final del trabajo, sólo es una fotografía. No usé scanner porque el lienzo era muy grande, por eso se ve un poco "poroso". Se usaron lápices grafitos blandos (6B y 8B), lápices de colores y acuarelas. Primera vez que aplicaba una técnica así y en un lienzo tan grande. El resultado me dejó conforme.



¡Hasta la próxima!


martes, 5 de marzo de 2013

Ilustradores: Nicolás Bascuñán

Autorretrato de Nicolás.
Ilustración digital.
Una de las cosas que siempre debe uno tener es humildad. Humildad en el sentido de tener respeto por otros, humildad en el sentido de que por muchas capacidades que tengamos para ciertas cosas, siempre habrá una persona que nos puede enseñar más. La misma humildad que necesitamos para acercarnos a esa persona y pedirle consejos. Eso es esencial, porque comienza un diálogo enriquecedor para ambos. Y mientras esta dinámica exista aparecerán nuevas posibilidades, nuevas creaciones, una evolución, en fin, puros atributos positivos. En todo orden de cosas esto es importante, el ego es una cosa que no le sirve a nadie (y que lamentablemente habla mucho de la inseguridad de la persona que lo demuestra).

Harley Quinn.
Ilustración Digital.
¿Por qué comencé con este tipo de introducción? Pues porque yo no sabría ni la mitad de las técnicas y herramientas de trabajo que conozco si no me hubiera acercado a alguien a preguntar con todas la ganas de aprender de aquella persona. Y es una dinámica que me ha servido de mucho.

Proceso desde el
borrador al
resultado final.
Hace un tiempo llegó a la oficina un ilustrador y me puse a conversar con él acerca de lo que hacía, pude ver sus trabajos y él los míos. Recibí comentarios y hasta el día de hoy he recibido consejos que me han servido bastante para continuar con mis hobbies de arte. Claro, este cabro estudió, tiene un maestro que le ha enseñado técnicas y teorías y tiene toda una amplia base artística que yo difícilmente puedo equiparar. Gracias a él he conocido nuevas técnicas, nuevos ejercicios y nuevas herramientas para trabajar - ¿se acuerdan del artículo que les hablé del Corel Painter?, pues él me lo presentó -.

El ilustrador de quien estoy hablando es el talentoso Nicolás Bascuñán, tiene 25 años y está titulado en Diseño de Comunicación Visual y actualmente se encuentra en Santiago de Chile. Nació en un pueblo rural llamado Chépica y dibuja desde que tiene memoria - la mayoría de los ilustradores suelen usar esa frase, y yo que recuerde claramente cuando empecé a dibujar...-. Sus habilidades como ilustrador le ha levado a enseñar Arte Conceptual y a trabajar en talleres de cómic. Hoy su trabajo creativo se centra en todo tipo de trabajo y el éxito que obtiene en cada resultado es porque realmente disfruta a concho lo que hace.

Junto con algunas de sus obras que adjunto en este artículo, les dejo también el enlace a su web personal para que puedan observar todos sus trabajos que consisten en ilustraciones, arte conceptual, diseño gráfico y algunos tutoriales que les pueden ser bastante útiles: http://www.nicobascunan.com/design/

¡Hasta la próxima!