Fotografía: Aprendiendo a trabajar la luz. (Parte 2)

Y aquí llegó la segunda parte del tema que dejamos pendiente en el artículo anterior, así es que si no ha leído la primera parte, se lo recomiendo, sobretodo si no está muy familiarizado con el tema de la teoría fotográfica.

La vez pasada se explicó lo que era el ISO en las películas fotográficas y que hoy también se aplica a la fotografía digital. Y aquí quiero tocar un tema importante: en el mercado de la fotografía digital encontraremos cámaras compactas y cámaras reflex. En general las cámaras compactas son cámaras hechas para nivel usuario, una cámara que sus funciones están pensadas en su mayoría para ser automática. Probablemente tenga opciones básicas y funciones automatizadas para lograr el mejor resultado posible al momento de disparar, cosa que una persona que no tenga la más absoluta idea de sacar fotografías, obtenga un buen resultado.

Dependiendo de la marca y modelo se podrán personalizar algunos ajustes antes de sacar una foto y permitan hacer un disparo con opciones manuales, pero siempre a un nivel más principiante. En algunas cámaras compactas ni siquiera encontrarán la opción para cambiar el ISO. Pero lo más importante es que tampoco da la posibilidad de hacer un intercambio de lentes (objetivo). En las cámaras compactas se emplean sensores de tamaño reducido, lo que conlleva distancias focales igualmente más cortas y por tanto casi todo en la fotografía aparece enfocado (profundidad de campo alta, lo explicaré más adelante).

Por otro lado, las cámaras reflex están compuestas por dos partes: un cuerpo y un objetivo (lente). El objetivo es un dispositivo intercambiable e independiente de la cámara, diseñado para cubrir una necesidad particular del usuario de alcance o cobertura angular, o requisitos especiales como distorsión (ojo de pez) o cambio del plano de enfoque (tilt-shift) entre otros. El objetivo contiene, por lo general, un mecanismo para la regulación de la luz (diafragma) y un mecanismo de enfoque. El cuerpo de la cámara contiene un espejo, ubicado a 45° respecto al plano de la imagen, cuya función es desviar los rayos hacia una pantalla traslúcida (pantalla de enfoque) mate que permite visualizar y enfocar la imagen. Generalmente la luz se vuelve a reflejar en un pentaprisma ubicado encima de la pantalla de enfoque, cuya función es desviar la imagen hacia el observador y enderezarla, puesto que el objetivo la proyecta de forma invertida. En el momento del disparo, el espejo se levanta y se abre el mecanismo obturador, para dejar pasar los rayos de luz directamente hacia el dispositivo de captura, el cual es un sensor de imagen en el caso de una cámara digital. En una cámara reflex digital se podrán tomar fotografías a nivel profesional, donde se puede manipular un gran abanico de funcionalidades (incluyendo el ISO claramente) donde su base se encuentra en la fotografía análoga. También se puede escoger la extensión de archivo de salida donde podrán encontrar el formato RAW (les contaré de este formato en otro artículo).

Fue medio cabezón el párrafo anterior, pero es necesario comprender estas diferencias y familiarizarse con algunos términos para entender lo que les voy a explicar ahora. En directa relación con lo hablado, les hablaré de la Apertura y de la Velocidad encontrando de esta forma las piezas para generar el triángulo de la exposición junto al ISO.

La Apertura es el tamaño del diafragma del objetivo de la cámara. El diafragma es una abertura que podemos controlar para que sea grande o pequeña. Al igual que la pupila del ojo humano, la apertura se ajusta para dejar pasar mayor o menor luz hacia el sensor de nuestra cámara. Se mide en unidades llamadas stops, en el caso del diafragma se les denomina f/stop.  Cada f/stop representa el doble o la mitad de luz que el lente permita pasar, según se cierre o se abra el diafragma. Esta relación inversa entre la luz y el f/stop es difícil de entender al principio pero en resumen y más simple: cuanto mas grande sea el numero f/ menos luz llega al sensor y cuanto mas pequeño es el numero mas luz llega al sensor. Cuando la apertura es pequeña (f/32) se genera una profundidad de campo alta, lo que quiere decir que el objeto principal saldrá enfocado y su fondo también. Al usar aperturas más grandes (f/5,6 ó f/2), la profundidad de campo será baja, lo que quiere decir que el objeto principal saldrá enfocado y su fondo desenfocado (esto dependerá también del tipo de objetivo que estemos usando).

Gráfico de aperturas de una cámara.

La Velocidad es el tiempo en que el obturador de la cámara permanece abierto, permitiendo que la luz que pasa por el lente llegue al sensor.  Usualmente se mide en segundos, la mayoría de los casos en fracciones de segundo, por ejemplo 1/125 1/1000 etc. Al igual que la abertura de diafragma, la obturación se mide también en stops. Aquí también tenemos una relación inversa: cuanto mas rápida es la obturación, menos tiempo el sensor es expuesto a la luz y cuanto mas lenta es la velocidad, mas tiempo el sensor recibe luz.

Obturador

De la misma manera que el valor f/ afecta la imagen (profundidad de campo), la velocidad de obturación, también afecta nuestra imagen y nos permite lograr diferentes efectos. Por ejemplo, obturaciones rápidas, arriba de 1/400, congelan la imagen. Esto es útil para deportes, o cuando necesitamos congelar un salto a algo con mucho movimiento. Velocidades bajas generan sobre los objetos en movimientos un especie de estela, llamado comúnmente motion blur y sirve para dar una mirada distinta sobre el movimiento. Por ejemplo una fotografía tomada a una carretera en la noche, las luces de los autos se verán como líneas luminosas.

Gráfico de velocidad de obturación con el efecto que generan las diferentes velocidades

Teniendo en consideración la Apertura y la Velocidad para llegar a una buena exposición de la fotografía nos debemos guiar por una herramienta incluída en toda cámara: el fotómetro. De acuerdo a la apertura que estén utilizando, el fotómetro les marcará la velocidad adecuada para lograr una buena fotografía de manera que no salga sub expuesta (muy oscura) o sobre expuesta (muy clara).

Mezclando el ISO, la Apertura y la Velocidad lograrán llegar a una buena exposición de acuerdo al efecto que ustedes le quieran dar (motion blur, profundidades de campo, etc.). Cualquier duda o aporte estoy abierto a recibirlos. ¡Hasta la próxima!

Fotografía: aprendiendo a trabajar la luz. (Parte 1)

Todas las formas que alcanzamos a distinguir es gracias a la presencia de luz. Sin luz no distinguiríamos absolutamente nada. Un pequeño haz de luz ya nos hace distinguir algún objeto, alguna pequeña forma que nuestros ojos captan tratando de darle algún sentido.

¿Se han fijado en los ojos de otra persona al estar expuestos a la luz? La pupila al recibir más luz de lo que el ojo ya estaba acostumbrado se hace más pequeña para dosificar toda esa luz extra. Así el ojo puede encandilarse y comienza un proceso de acostumbramiento a esa luz. La fotografía hace algo bastante parecido así es que tomando esta explicación de base, les contaré cómo funciona la base de la fotografía. ¿De qué les servirá todo eso? Pues al comprender el proceso, podrán obtener mejores resultados en sus fotos.

Primero quiero partir hablándoles de la fotografía análoga, que es la base para todo el instrumento digital que usamos hoy. Y lo principal para sacar una fotografía en forma análoga es la película, el "rollo", la carga, o como prefieran llamarlo. Yo lo llamo la película. ¿Cómo funciona la película? ¿Qué hace que después de haber sacado nuestras fotos resulte en un negativo que se convertirán en fotografías?

Creo que sabemos que la película es terriblemente sensible a cualquier luz (sí, a la luz roja también) y se "quema" con facilidad si es expuesta a ella. ¿Por qué? ¿qué hace que sea tan sensible a la luz? Pues la película esta compuesta por pequeñas partículas de plata fotosensibles que se "queman" con la luz directa. La cámara al tomar una fotografía deja pasar por segundos o fracciones de segundo una determinada cantidad de luz que se "imprime" en la película que se encuentra atrás de la cámara. A simple vista esto no se puede ver, pero al momento de revelado de la película tenemos unos químicos llamados Revelador y Fijador. El Revelador tiñe todas aquellas partículas que fueron alcanzadas por la luz, y luego el Fijador detiene el proceso y hace que las partículas de plata no se sigan quemando. Así aparece el negativo.

Comprender este proceso nos ayuda a entender qué es el ISO. En las películas podemos escoger lo que es el ISO. Hay ISOs de 25 hasta 3200, pero el más común y convencional para sacar fotos es el ISO 100. ¿Qué es esto entonces? Nada más y nada menos que el tamaño de las partículas de plata. En un ISO 25 las partículas de plata son muy pequeñas. En un ISO 3200 son mucho más grandes. Esto nos ayudará a escoger la película de acuerdo a las condiciones de luz. Si el lugar donde sacaré mis fotos es oscuro, probablemente utilizaré un ISO 400, 800 o más, ya que las partículas de plata son más grandes y se quemarán con facilidad al pequeño contacto con la luz. Por otro lado si quiero sacar fotografías donde la cantidad de luz la puedo controlar y son detalles de objetos o personas, utilizaré un ISO menor donde las partículas de plata son bastante más pequeñas, se demorarán más en quemarse, pero el resultado ofrecerá una excelente definición en la fotografía porque las partículas son pequeñas. Es como los pixeles, a mayor cantidad de pixeles, mejor definición. A menor cantidad de pixeles, perdemos definición.

Como les decía, lo normal para sacar fotografías es el ISO 100 que se comporta muy bien con cualquier tipo de luz y otorga una buena definición en las fotos. Recuerdo hace años atrás que una marca de fotografía sacó una película donde podrías sacar excelentes fotos en días nublados y la vendían como la gran cosa. No era nada más que una película de ISO 400 en vez de la convencional ISO 100. Hoy en muchos de los modelos de cámaras digitales que están saliendo podemos escoger el tipo de ISO digital para que la cámara sea más o menos sensible a la luz.

En el próximo artículo les hablaré de la apertura y la velocidad que está en directa relación con lo que les conté en esta primera parte.

¡Hasta la próxima!

Retratos: Algunas chicas de The Avengers

En otras ocasiones les he contado que debo encontrar un rostro bastante interesante para que me provoque querer retratarlo. Pero si les mostrara todos los retratos que he hecho por esto mismo me quedaría sin temas futuros de qué hablarles. Es por eso que les quiero hablar acotadamente de aquellas chicas que me llamaron la atención en las películas de estos superhéroes (Capitán América y Thor específicamente).

En primer lugar tenemos a Halley Atwell. Su rostro con una mandíbula bien angulada me llamó la atención porque por alguna razón combina perfecto con sus ojos. Halley es una actriz inglesa, nacida el 5 de abril de 1982 en Londres. Su debut fue el 2005 en una publicidad de Pringles. Su primer papel cinematográfico fue en 2007 en la película de Woody Allen "El Sueño de Cassandra". Ahora ya la conocemos como la agente Peggy Carter en la película Capitán América: El Primer Vengador.

Retrato hecho con lápiz grafito 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7 B.

Luego tenemos a Kat Dennings. Kat Dennings la conocerán más como Max en la serie "2 Broke Girls". No sabría decirles que es lo específico que me atrae de su rostro, pero sí me atrae esa personalidad que le da a sus personajes que creo que tiene mucho de ella. Ese sarcasmo y esa idea de interpretar las cosas en su propia forma. Kat Dennins (o Katherine Litwack que es su verdadero nombre), nació el 13 de Junio de 1986 y comenzó su carrera artística en el año 2000, en un capítulo de Sex and the City. Kat interpretó a Darcy Lewis en la película "Thor".

Retrato hecho en lápices grafito HB, 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7B

Finalmente les dejo a Jaimie Alexander. Su rostro tiene un perfecto balance en rasgos fuertes y duros y rasgos suaves y sutiles. Creo que es la mejor forma de explicarlo. Jaimie Alexander nació el 12 de marzo de 1984 y se ha hecho especialmente conocida por su papel en la serie Kyle XY interpretando a Jessi XX. Ahora acaba de terminar de filmar una película con Johnny Knoxville y Arnold Schwarzenegger llamada "The Last Stand". En la película "Thor" interpreta a Lady Sif.

Retrato hecho con lápiz grafito 2B, 4B, 6B, 9B y portaminas 0.7 B.

Para los que echan de menos a Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson (a Cobie Smulders ya la vimos en el artículo del Paso a Paso de un Retrato en Grafito), no les he encontrado ese "kairos" que me produzca dibujarlas, así es que se aguantan (para los que no sepan lo que es "kairos", pues averíguenlo, les apuesto que si lo buscan en google les va a quedar clarito), y eso que Scarlett y Gwyneth aparecen pelirrojas.

¡Hasta la próxima!

Figuras: Busto de Superman

La primera vez que intenté hacer una figura con materiales flexibles el resultado fue bastante decepcionante. Partí bien, con un esqueleto de alambre. Luego la perdición, continuar con cerámica en frío y finalmente la muerte, como me quedó mal con la cerámica en frío, terminé de tapar con arcilla. La  porquería se trizó completamente al secar, así es que tuve que pegar. Horrible. Además la textura de la figura quedó mal, llena de imperfecciones. Creo que lo único rescatable de eso fue la cabeza. La figura se trataba de Venom y fue completamente destruída para el terremoto. Claro que la boté, no me interesaba guardarla, sobretodo con un resultado tan pobre.

En fin, pasó el tiempo, fui mejorando la técnica y conociendo nuevos materiales hasta que me decidí hacer un busto para dedicarme al rostro en una figura. El modelo escogido fue Superman y para hacerlo más desafiante, usé de modelo al Superman de Christopher Reeve. Ambicioso proyecto.

Cuando se obtiene la base de proporciones con el dibujo y los retratos se hace un poco más fácil hacer un rostro en una escultura, o por lo menos eso pensaba. Igual al final la práctica es la que hará darte cuenta de todos esos detalles en los que se debe estar atento. Por ejemplo me di cuenta que mi problema en la escultura es la proporción del restro en comparación con el tamaño de la cabeza. Y es un tema, porque si el rostro te queda desproporcionado tienes que agradar la cabeza, y si agrandas las cabeza hay que agrandar el cuerpo. Un cacho. Eso fue lo que me pasó con la figura de Aragorn. Y en esta también. Y es uno de los problemas en los que se hace incapié en el artículo de "Como modelar una cabeza".

La primera etapa para realizar la escultura fue buscar - y buscar bastante - fotografías que me dieran la mayor cantidad de detalles del rostro, donde se pudieran apreciar el frente, el perfil, 3/4, etc., para comprender las profundidades del rostro y cómo se comportaban con la luz estos rasgos.

Claro que para esta escultura no fue necesario hacer un esqueleto de alambre, ya que la idea era hacer un busto. Así comenzó un proceso que duraría meses. Proceso difícil en cuanto al esculpido de la figura, ya que aún siendo más grande que las figuras que había hecho hasta ese punto, me enfrentaba a lograr que una figura tuviera un parecido con una persona muy conocida. Y como yo soy bastante exigente en esto, estuve a punto de tirar todo a la basura, ya que los primeros intentos al tratar de lograr el rostro fueron espantosos.

Mucho lijado, retoques, colocar, sacar, taladrear lograron dejar la escultura lisa, lo más parecida que pude lograr al actor y lista para las manos de pintura.

La pintura. En esta oportunidad fue la primera vez que usé pinturas acrílicas (algo que desde el principio debí haber hecho). Les cuento otra vez por si no han leído artículos anteriores que son 3 las marcas más conocidas, por lo menos en mi país (Chile). Están las Humbrol, las Testors y las Model Master. Testors y Model Master son hermanas ya que son del mismo fabricante. Creo que las Humbrol sirven más para trabajarlas con aerógrafo (yo pinto con pincel) ya que son más líquidas. Las Testors (que son las que más me gustan) son un poco más gruesas y te dan la alternativa de diluirlas más. Y las Model Master que son colores que se usan más para pintar maquetas tipo militares.

Aquí me enfrenté al tema del secado, que demora un poco. Lo otro es la limpieza de los pinceles, con agua la pintura no sale, hay que limpiarlos con diluyente y luego, cuando estén limpios, lavarlos con un poquito de lavalozas para que el químico del diluyente no mate a los pelos del pincel y los deje chascones de por vida.

La base la pinté de color metálico. Tenía color metálico en spray. Ni me acuerdo para qué figura fue que lo compré. Creo que fue para la figura de Wolverine. El resultado fue bueno, bien bueno. No excelente como yo esperaba, pero bien bueno. Al terminarla y después de hacerle una sesión de fotos, lo puse en una caja de acrílico para protegerla.

Les dejo algunas fotos del resultado. Estoy pensando en pasarle la lija y rehacer detalles del rostro para lograr más parecido, veremos que resultará de eso. 

¡Hasta la próxima!

Creatividad: haciendo trabajar el seso

En los tiempos de hoy las cosas se nos hacen más fáciles, ya que día a día la tecnología nos invade con productos que nos ayudan enormemente. Y cada día estos avances son más rápidos. Es cosa de ver los celulares,  no alcanza a salir el último modelo cuando al otro mes ya salió la versión siguiente. Tampoco quiero limitar la tecnología al campo de equipos electrónicos, la tecnología avanza en muchas áreas (textil, comida, higiene, salud, etc.), y ha generado excelentes resultados que van transformando una sociedad e incluso un proceso "evolutivo".

Sin desmerecer todos estos avances, siempre hago un ejercicio poniendo sobre la balanza los pro y los contra de todo este rápido proceso (soy libra, siempre tiendo a hacer este tipo de cosas), y al ir a la parte de los contra recordé la película Wall-E, donde vemos una sociedad totalmente tecnologizada y muy cómoda, tan cómoda que todos son obesos andando en sillas móviles. Tan tecnologizada que han caído todos en una rutina esclavizante donde casi no tienen que pensar, les dicen lo que hay que hacer, a que hora hay que hacerlo y como hay que hacerlo (si sé, suena bastanta Orwelliano). El problema está que estoy comenzando a creer que estamos pasando de la ficción a la realidad.

¿Qué tiene que ver todo esto con lo que dicta el título? (esta pregunta se está haciendo retórica en mis artículos, creo que tendré que pensar mejor los títulos). Pues está en advertir que todos tenemos una capacidad de pensamientos y de solución de problemas. Las herramientas tecnológicas deberían quedarse en eso, en herramientas, en móviles para llegar a un resultado o completar un proceso mayor. No para hacernos esclavos y zombies de esas herramientas. Las personas están perdiendo la capacidad de crear porque les da flojera pensar. Se quedan con lo que les dan.

Hay algo que dice mi viejo que siempre le encuentro la razón, antiguamente los niños eran más creativos, inventaban más juegos, conocían más cosas porque no tenían otra. Ahora bien, no estoy diciendo que hoy en el 2013 quememos los Playstation, los Nintendo y los televisores, pero son una alternativa de entretención, no son una forma de esclavizarse. Son un medio para que llegue otro creativo y con estas herramientas estimule la capacidad de pensamiento, de creación a través de un juego, de un programa, etc. O dedicarle cierto tiempo a los videojuegos y hacerse un hábito de salir un rato a la calle a jugar, a conocer a los vecinos, a ver cosas nuevas que estimulen la creatividad, de llegar a esa capacidad de encontrar una respuesta original a las cosas.

La creatividad es la capacidad de producir cosas nuevas, es la capacidad de un cerebro para llegar a conclusiones nuevas y resolver problemas en una forma original. En su materialización puede adoptar, entre otras, forma artística, literaria o científica, no es privativa para nada ni para nadie. La creatividad es fundamental para el mejoramiento de la inteligencia personal y del progreso de una sociedad. Es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por la originalidad, por la adaptabilidad y por sus posibilidades de realización concreta.
Creatividad es la producción de una idea, un concepto, una creación o un descubrimiento que es nuevo, original, útil y que satisface tanto a su creador como a otros.

Existirán persona con más capacidad creativa que otras pero yo creo en el complemento, siempre habrá alguien que no ha pensado lo que tú estás pensando. Y del complemento las ideas fluyen, y con eso la creatividad. Dicen que las personas creativas tienden a tener:

- Confianza en sí mismo
- Valor
- Flexibilidad
- Alta capacidad de asociación
- Finura de percepción
- Capacidad intuitiva
- Imaginación
- Capacidad crítica
- Curiosidad intelectual
- Características afectivas de sentirse querido y protegido
- Soltura y libertad
- Entusiasmo
- Profundidad
- Tenacidad

Yo creo que independientemente de estas características, todos podemos llegar a ser creativos. Todos.

Juguemos videojuegos (yo los disfruto bastante), veamos televisión, pero también leamos, salgamos a caminar, a jugar, abiertos a encontrar formas y cosas nuevas en lo que llamamos rutina, a responder creativamente una pregunta, a sociabilizar, a hacer imaginerías con tu familia o tu pareja. Verán que la creatividad se alimentará de todo esto y crecerá fuerte en sus cerebros.

¡Hasta la próxima!

Retratos: Susan Coffey

A través de mi biografía de Twitter (hola, soy @matlko), o de la información "Acerca de mi" sabrán que tengo cierta debilidad por las chicas pelirrojas y de piel blanca (no, no soy racista). Es por esto que en algunas ocasiones he usado como modelo fotografías de mujeres de pelo rojo o naranjo para hacer retratos.

Como también deben saber, hace algunos años soy miembro de la gran comunidad de artistas de DeviantArt, comunidad de la cual he hablado en algunos artículos y en donde tengo la galería más grande de trabajos realizados por mi, donde recibo críticas de todo el mundo. Pues bien, en esta comunidad supe de la existencia de una modelo que sube sus fotos al sitio. Claramente esta chica es pelirroja y su nombre es Susan Coffey.

Algunos deben conocer a Susan, porque al parecer sus fotos son bastante populares en la internet. Es de Estados Unidos nacida el 13 de febrero de 1990 en Metuchen, New Jersey. Se hizo conocida cuando estaba en la secundaria por fotografías que ella misma se tomaba y subía a internet. Estas fotografías se hicieron tan populares que con el tiempo la buscaron distintos fotógrafos (Sito Alvina, Yoon Insuh, Herman Brandon entre otros), y agencias de modelaje. Ahora estudia Comunicación Social (es colega mío!!) y Psicología. Tan popular se ha hecho, que ha sido portadas de revistas, como la revista para hombres Maxim. Sabe tocar piano, es amante de los animales y vegetariana, sabe de costura y hace su propia ropa, juega World of Warcraft y es fanática de los Teen Titans.

Fotografía usada de
modelo para el retrato

Sin tener mucho más que decir acerca de ella - sólo invitarlos a ver sus fotografías en su sitio de DevianArt: http://susancoffey.deviantart.com/ - les cuento de qué se trata su retrato.

Traté de probar cosas nuevas al momento que me propuse hacer un retrato de Susan, lo primero fue aumentar el espacio de trabajo, en vez de usar la medida de 21,6 x 28 cms usé 37,5 x 53 cms (bastante más grande) y como uno de los rasgos característicos de esta chiquilla es el rojo color de su pelo, debía agregarle color, por lo tanto no podría usar sólo grafitos. Así es que se me ocurrió usar una técnica mixta de lápices de colores, acuarela y grafito. Busqué una foto modelo que tuviera un fondo atractivo y donde obviamente ella me transmitiera esa "cualidad" que me hace provocar la inquietud de retratar. Les dejo el resultado final del trabajo, sólo es una fotografía. No usé scanner porque el lienzo era muy grande, por eso se ve un poco "poroso". Se usaron lápices grafitos blandos (6B y 8B), lápices de colores y acuarelas. Primera vez que aplicaba una técnica así y en un lienzo tan grande. El resultado me dejó conforme.

¡Hasta la próxima!

Ilustradores: Nicolás Bascuñán

Autorretrato de Nicolás.
Ilustración digital.

Una de las cosas que siempre debe uno tener es humildad. Humildad en el sentido de tener respeto por otros, humildad en el sentido de que por muchas capacidades que tengamos para ciertas cosas, siempre habrá una persona que nos puede enseñar más. La misma humildad que necesitamos para acercarnos a esa persona y pedirle consejos. Eso es esencial, porque comienza un diálogo enriquecedor para ambos. Y mientras esta dinámica exista aparecerán nuevas posibilidades, nuevas creaciones, una evolución, en fin, puros atributos positivos. En todo orden de cosas esto es importante, el ego es una cosa que no le sirve a nadie (y que lamentablemente habla mucho de la inseguridad de la persona que lo demuestra).

Harley Quinn.
Ilustración Digital.

¿Por qué comencé con este tipo de introducción? Pues porque yo no sabría ni la mitad de las técnicas y herramientas de trabajo que conozco si no me hubiera acercado a alguien a preguntar con todas la ganas de aprender de aquella persona. Y es una dinámica que me ha servido de mucho.

Proceso desde el
borrador al
resultado final.

Hace un tiempo llegó a la oficina un ilustrador y me puse a conversar con él acerca de lo que hacía, pude ver sus trabajos y él los míos. Recibí comentarios y hasta el día de hoy he recibido consejos que me han servido bastante para continuar con mis hobbies de arte. Claro, este cabro estudió, tiene un maestro que le ha enseñado técnicas y teorías y tiene toda una amplia base artística que yo difícilmente puedo equiparar. Gracias a él he conocido nuevas técnicas, nuevos ejercicios y nuevas herramientas para trabajar - ¿se acuerdan del artículo que les hablé del Corel Painter?, pues él me lo presentó -.

El ilustrador de quien estoy hablando es el talentoso Nicolás Bascuñán, tiene 25 años y está titulado en Diseño de Comunicación Visual y actualmente se encuentra en Santiago de Chile. Nació en un pueblo rural llamado Chépica y dibuja desde que tiene memoria - la mayoría de los ilustradores suelen usar esa frase, y yo que recuerde claramente cuando empecé a dibujar...-. Sus habilidades como ilustrador le ha levado a enseñar Arte Conceptual y a trabajar en talleres de cómic. Hoy su trabajo creativo se centra en todo tipo de trabajo y el éxito que obtiene en cada resultado es porque realmente disfruta a concho lo que hace.

Junto con algunas de sus obras que adjunto en este artículo, les dejo también el enlace a su web personal para que puedan observar todos sus trabajos que consisten en ilustraciones, arte conceptual, diseño gráfico y algunos tutoriales que les pueden ser bastante útiles: http://www.nicobascunan.com/design/

¡Hasta la próxima!

Figuras: Logan - Wolverine en masilla epoxy

Reconozco que debería haber actualizado este blog el día de ayer, lo sé. Pero he tenido tanto trabajo que no me dio el cuero para hacer el artículo. Pero no importa porque aquí está esta nueva entrada en donde voy a mostrarles una de las figuras a las que le tengo más cariño por todo el trabajo que he puesto en ella y por el buen resultado que terminó siendo. No fue un trabajo fácil, ya que distingo que este resultado final pasó por 3 etapas grandes que les voy a contar a continuación.

El modelo original está inspirado de una de las primeras fotos que aparecieron de la película X-Men Origins: Wolverine. En ese tiempo mi experiencia haciendo figuras en masilla no era mucha y aún no usaba las pinturas acrílicas (pintaba las figuras con témpera y cola fría).

Imagen en la que se inspiró
el diseño de la figura

Al comenzar con el modelado, fui cambiando un poco el diseño para ponerle rasgos y características con las que aparece en el comic, pero la falta de detalles y un no muy buen resultado en el rostro no me dejaron para nada satisfecho. La figura se veía desproporcionada, con un rostro y pelo para nada parecido pintado con manchones de témpera, y unas garras que no le venían para nada al resto de la proporción del cuerpo. También la hebilla del cinturón la había dejado con una "X" como la que se ve en los comics, en vez de la hebilla del indio característica en su cinturón en la película (si no se han dado cuenta fíjense, es una cabeza de un indio).

El destino quiso que la figura se cayera y se rompiera en algunas piezas. Fue cuando aproveché la oportunidad de rehacer el rostro de la figura y los otros detalles para hacerlo más parecido a la fotografía de modelo. Lijé y limpié con la herramienta multipropósito la pintura y el material de sobra para hacer que el pelo y el rostro fueran más parecidos. De esta manera comenzó otro nuevo proeso de observación para hacer que la figura "evolucionara". Lo que rescato de este segundo proceso fue le trabajo realizado en la hebilla del cinturón en donde pude duplicar la cabeza del indio. Pero aún no me satisfacía el resultado del rostro (sí del cabello), y la pintura seguía siendo en témpera, lo que ahora me parece una mugre. Lo otro fue que retiré las garras desproporcionadas e hice unas garras con una lámina de aluminio que realmente le dieran el carácter necesario al personaje de masilla. Quedaron bastante bien.

Tiempo después hice un último intento para terminar de arreglar todo. Lo principal era terminar de arreglar el rostro y las proporciones. Además de repintar la figura con acrílicos y sacar toda esa porquería de témpera que le había puesto antes. El rostro cambió y quedó bastante bien, no perfecto, pero ha sido un buen resultado. Creo que también ayudó el arreglo de proporciones y el acrílico. Los resultados podrán observarlos en las fotos que adjunto en el artículo. Y no, no habrán más arreglos para esta figura, lo que están viendo es como quedará... para siempre. Creo que se parece bastante (finalmente) a la imagen que utilicé como modelo original, aproveché también de agregarle el detalle extra de las placas de identificación en el cuello para terminar de caracterizar al personaje. Hay personas que me han pedido esta figura, pero no, esta figura queda conmigo porque en mi opinión, fue la primera figura en masilla que tuvo un resultado que me dejara satisfecho. Además Logan es uno de mis personajes favoritos (debe ser porque el personaje de los comics es bajo, igual que yo).

¡Hasta la próxima!

Afuera de la Caja

Recuerdo que una vez me vi enfrentado a un juego de ingenio en donde se veían unos puntos y había que unirlos sin levantar el lápiz. Estos puntos formaban un cuadrado y al mirarlo lo primero que hice fue tratar de resolverlo dentro de esos límites, cosa que era imposible (y no, en ese tiempo todavía no existía Google, apenas internet, así es que no podía hacer trampas por ahí). Tiempo después se me prendió la ampolleta y al reencontrarme con este juego nuevamente, supe que hacer. La respuesta estaba al salir de los límites del cuadrado que formaban los puntos. Era casi obvio, pero la respuesta no la podías ver si es que no rompías los límites que uno mismo se había puesto. Eso jamás se me olvidó.

Eso te da una nueva perspectiva de las cosas. Estamos acostumbrados a regirnos por las cosas que se nos dan y pocas veces somos capaces de mirar un poco más allá. Categorizamos y metemos dentro de un mismo saco a objetos, personas y nos cerramos a eso. Aprendemos y adquirimos capacidades y las usamos para lo que se nos enseñó y marcamos nuestro propio cuadrado de puntos alrededor. De esta forma aceptamos tales cosas como lo cotidiano, lo rutinario y nos acostumbramos a eso. Porque la verdad eso es fácil, no hay mucha de necesidad de pensar.

Afortunadamente existen personas que se dan cuenta que hay respuestas más allá del cuadrado de puntos. Son personas que no están conformes con lo cotidiano, hay una continua búsqueda de llegar a algo nuevo. Estas personas son la que muchas veces llamamos "creativas". Una forma, una expresión, una técnica puede ser una fuente de inspiración para lograr nuevas cosas, para encontrar nuevas y mejores respuestas. Lo bueno es que cuando hay buenos resultados, esto motiva a pensar y a crear a otros y se genera algo que se podría graficar como una ola. Genera movimiento. Genera pensamiento. Genera creación. Salimos de aquel estado "zombie" que a veces nos mantenemos por rutina acostumbrados solamente a lo que se nos entrega en bandeja.

De este mismo pensamiento nace la frase que tengo al costado de este blog: “La creatividad es un don que se cultiva a través de la cultura y el interés que tengamos por aprender y motivarnos. Es la capacidad de transformar lo que ya conocemos de forma original e innovadora". Si nos acostumbramos a pensar de esta manera para enfrentarnos a problemas y encontrar soluciones, les garantizo que los resultados serán mejores de lo que esperan, aprenderán más e incluso generarán independencia. Aprender, Pensar y Crear.

Hay cosas que nos son tan cotidianas, que no nos damos cuenta lo creativo que puede resultar al mezclarlas. Eso es lo que quise graficar en las imágenes que les dejo. Las creé para una campaña publicitaria de una agencia de diseño donde el concepto creativo era "Donde tus ideas cobran vida". Literalmente eso fue lo que grafiqué. Tomé algo tan cotidiano como mi capacidad para dibujar y lo mezclé con... la realidad. El resultado fue una pieza llena de vida. Hecho con ilustraciones que hice especialmente para estas piezas y retocado todo con Photoshop. De hecho laas manos de la fotografía son las mías.

Más que mostrarles las imágenes es dejarles también este consejo: encontraremos buenas cosas pensando afuera de la caja.

¡Hasta la próxima!

Retratos: Penélope Cruz

Penélope Cruz. ¿Saben? para que las pelirrojas sean mi total debilidad, mis tres amores platónicos son morenas: Zooey Deschanel, Anne Hathaway y Penélope Cruz. Pero a veces soy así de inconsecuente.

¿Quién no conoce a esta morena preciosa? Nacida el 28 de abril de 1974, llamada Penélope por la canción de Joan Manuel Serrat favorita de sus padres que lleva el mismo nombre. Estudió danza junto a su hermana y luego, durante los años 80, comenzó a aparecer en anuncios publicitarios y en programas de televisión. Durante esa época apareció en un video del grupo Mecano donde conoció a Nacho Cano con quien después tuvo una relación.

En 1991 debutó en el cine español con "El Laberinto Griego" de Rafael Alcázar que la catapultó a participar de varias películas de éxito durante 1992 donde actuó junto a Javier Bardem en "Jamón-Jamón". Por esta interpretación fue nominada al premio Goya como mejor actriz, pero esa vez el premio no lo ganó.

En 1998 Penélope logró triunfar con la comedia "La Niña de tus Ojos" que le valió el esperado premio Goya y una nominación a los Premios Europeos de Cine. Pero su lanzamiento definitivo a nivel internacional fue a través del filme de Pedro Almodóvar "Todo sobre mi Madre" de 1999.

Con la película "Volver" de Pedro Almodóvar fue nominada al Oscar en la categoría de mejor actriz principal, convirtiéndose en la primera actriz española candidata a un Oscar. Ese año no lo ganó, pero obtuvo una segunda candidatura en 2009 como mejor actriz secundaria en la película "Vicky Cristina Barcelona" donde si lo ganó, convirtiéndose en la primera actriz española en ganar un Oscar.

Después de haber estado con Nacho Cano, también mantuvo relación con Tom Cruise (que se conocieron en el remake de "Abre los Ojos": "Vanilla Sky") y con Matthew McConaughey (con quien actuó en la película "Sahara"). Actualmente está con Javier Bardem, con quien se casó en Julio de 2010.

De Penélope Cruz he hecho dos retratos que se los dejo a continuación. El tema técnico es el de siempre, tamaño carta en lápiz grafito 2B, 4B, 6B, 8B y portaminas 0.7 HB. Espero que les agrade.

¡Hasta la próxima!

Modelando una cabeza en masilla

Para que vamos a inventar la pólvora cabros, si todo lo que necesito para hacer este artículo está en un post del foro Spanish Team (http://www.spanish-team.com/), comunidad que junta desde artistas escultores principiantes a artistas bastante geniales. Allí se suben artículos de ayuda y se pueden publicar consultas con respecto a este hobbie arte del que algunos disfrutamos mucho. Y claro, el usuario "Freeman" publicó hace tiempo un paso a paso de modelado de cabezas, y como le quedó tan espectacular y tan descriptivo, pediré prestadas sus fotografías y me basaré en sus pasos para explicarles cómo se hace este proceso que a algunos les puede parecer un poco complicado. Además este artículo se los había prometido unos artículos atrás cuando expliqué el paso a paso general de cómo hacer una figura en masilla.

Como dice Freeman en su artículo, espero que a unos cuantos les sirva de referencia al menos para empezar a modelar y para despejar algunas dudas los que ya hayan comenzado a trabajar la masilla.

Obviamente aparte de la masilla necesitarán:
Paletas de madera para las aplicaciones (la venden en cualquier librería).
Pincel sintético (da igual la medida, pero que tenga bien la punta).
Crema.
Agua.
Lija fina.

Este artículo será bastante gráfico, hay mucha fotografía, así es que dejaré cada foto con su comentario correspondiente para que sigan este paso a paso.

1. Comenzamos con la estructura base, sin duda lo más importante de la pieza, como siempre. Sobre una bola de papel de aluminio pegada a un pincel se coloca una estructura que se descompone básicamente en una bola para el cráneo y un volumen básico con la forma de la mandíbula que cuelga de la bola.

2. Sobre esta superficie marcamos unos parámetros básicos, como los ojos, nariz y boca, así nos aseguraremos que el error de proporciones es mínimo. Algo muy importante que tenemos que tener en cuenta es la proporción entre la cara y el cráneo, tendemos a modelar las caras como si fueran casi la totalidad del cráneo, y luego quedan unas cabezas con una cara enorme fuera de la escala de la figura, y un cráneo diminuto, lo que nos lleva a agrandar aun mas la cabeza si queremos dejarla proporcionada. Teniendo controlado este primer paso, seguramente evitaremos ese problema.

3. Se recomienda partir por la parte de la frente y las cejas, ya que es lo que le va a dar fuerza y expresión a la cara. En la primera foto pueden ver una aplicación con la forma y el tamaño en un lado y en el otro la aplicación alisada con la paleta humedecida ligeramente en crema.

4. Aquí están las dos cejas alisadas.

5. Luego se coloca una aplicación base para la nariz y otra para el labio superior, son solo orientativas, para luego ir añadiendo encima, a continuación más imágenes desde otras perspectivas.

6. Ahora vamos ya a colocarle el parpado superior, para ello se utiliza un pincel humedecido ligeramente en crema, así se pega al pincel pero no demasiado, y nos permite colocarlo en su sitio y darle forma, con la paleta no quedaría tan limpio al ser mas dura y dejar marcas. A continuación una imagen del resultado.

7. Fíjense en la importancia del volumen. Los párpados, al igual que los labios deben tener forma semiesférica visto desde abajo, esto le da más riqueza a la figura.

8. Ahora le vamos a poner una aplicación clave para darle realismo a la cara, el volumen que va entre el parpado superior y la ceja. Es algo que mucha gente omite, pero les aseguro que es importante para darle vida a un rostro.

9. Aquí, como en la foto siguiente, pueden ver las aplicaciones fundidas. También se le ha dado una forma básica al labio, usando la lanceta pequeña, mas adelante lo matizaremos todo un poco mas.

10. Añadimos pómulos y una base para el labio inferior. A un lado pueden ver una aplicación sin fundir y al otro la ya fundida. Este tipo de aplicaciones mas grandes se empiezan fundiendo con una paleta grande, luego con una lanceta pequeña y al final con el pincel y el dedo.

11. Ahora se añaden las fosas nasales y los parpados inferiores.

12. Luego se añade una bolita para la punta de la nariz, y un poco mas de puente.

13. Se añaden mas volúmenes a los lados de la cara, este tipo de aplicaciones son las que le dan mas realismo como podrán ver en las siguientes fotos.

14. Ahora se añaden las comisuras de los labios.

15. Los volúmenes de debajo de la boca y un pequeño acento en los ojos  como se ve en la próxima fotografía.

16. Como el parpado inferior quedó un poco hundido, se añade mas para sacarlo, eso lleva a ponerle también algo más de pómulo.

17. Y al fin la bolita del ojo. Hasta aquí se puede dar por terminado, pero si encuentran que los rasgos quedaron algo duros y se ve viejo y lo que ustedes quieren es alguien más joven, con una lija se pueden suavizar los rasgos para lograrlo y que quede como en las fotos de a continuación.

18. Finalmente pueden agregar las orejas y los detalles propios del personaje que están haciendo.

19. Agregan el pelo y caracterizan al personaje de manera que quede los más parecido posible.

Si, es un trabajo un poco tedioso y largo, puesto que también entre paso y paso deberán esperar a que la masilla seque para poder continuar. Así es que aquí no sirven los atarantados ni apurones. Sólo paciencia, pulcridad y perseverancia.

Vuelvo a repetir que las fotos publicadas en este artículo no pertenecen en ningún caso a un trabajo hecho por mi, sino que pertenecen al usuario Freeman de Spanish-Team quien publicó este paso a paso originalmente.

Espero que les sirva como base para comenzar a modelar las cabezas de sus personajes y recuerden que esto son sólo líneas a seguir, si encuentran alguna técnica que les acomode más o algún paso que pueden mejorar, háganlo y probablemente llegarán al mismo resultado o incluso uno mejor. No hay que temer con la experimentación en este tipo de hobbies, la creatividad es la que manda. Y por supuesto si todo les sale bien, compartan sus procesos y trabajos, que a todos los que nos gusta crear este tipo de obras nos enriquece bastante conocer la experiencia de otros.

¡Hasta la próxima!