Estimados, como lo prometido es deuda, comienzo este artículo del cual les hablé la vez pasada: describir un paso a paso de cómo hacer un retrato en grafito y los materiales que se deben usar. Quizás a algunos les interese como base para partir ustedes a hacer sus propias ilustraciones en grafito. La verdad yo lo encuentro maravilloso y es algo que especialmente me relaja mucho.
Como aclaré en el artículo del proceso de creación de una figura en masilla, los pasos que describiré probablemente no sean la forma ortodoxa ni profesional de hacer este tipo de trabajos ya que, como saben, yo no soy ningún profesional al respecto, sólo un autodidacta consciente de que todos los días y a través de la práctica se aprenden cosas y técnicas nuevas.
Ya les he contado en oportunidades anteriores que para hacer este tipo de trabajos hay que ser paciente y perseverante. Quizás las primeras veces las cosas no nos salgan como esperamos y sintamos mucha frustración. La gracia está en superar esa frustración con ganas de poder mejorar y perseverar. Tampoco entren en comparaciones, probablemente hayan personas con más aptitudes que otras y los procesos de cada uno son totalmente diferentes. Pero soy un convencido que con empeño, motivación y perseverancia todos podemos lograr buenos resultados.
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Ejercicio para soltar la mano.
http://jonmirandacuellar.wordpress.com/ |
Si ustedes son totalmente nuevos en esto de la ilustración a lápiz, lo primero que les recomiendo es tomar una hoja blanca (ojalá un block de dibujo para que con el tiempo vea su progreso), tomar un lápiz grafito o un portaminas y comenzar a hacer líneas, líneas rectas, círculos, curvas, formas y practicar de esa forma que les ayudará a soltar la mano. Se darán cuenta con el tiempo que las primeras veces verán líneas brutas y fuertes y al final verán líneas con diferentes presiones de lápiz, más armónicas y sutiles.
Les recomiendo también este enlace:
http://artists.pixelovely.com/ , en donde podrán practicar rapidez y técnica con modelos en fotografías de animales y personas además de aprender nuevas técnicas (se agradece el aporte a @NBascunan).
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Naturaleza muerta en grafito.
http://claudiogaetearte.blogspot.com/ |
Una vez que hayan soltado la mano y se sientan seguros para pasar al próximo paso, la siguiente sugerencia es aumentar sus capacidades de observación. Vean cuadros, fotografías que contengan muchos detalles y obsérvenlos por un buen rato. Traten de recordar todos aquellos detalles y cómo eran, su forma, su color, si habían objetos que se repetían, cuántas personas habían, secciones claras, secciones oscuras, etc. ¿Qué tiene que ver este ejercicio con el dibujo? La verdad es que mucho. En la ilustración y en los retratos encontrarán detalles sólo si su capacidad de observación es aguda (el brillo de los labios, la imagen reflejada en los ojos, la forma del cabello, la forma de las cejas), y eso hará que su obra final sea lo más realista posible. Es por eso que también les recomiendo hacer ilustraciones de naturaleza muerta de figuras simples y con diferentes tipos de luz (un poco oscuro, con mucha luz), y se darán cuenta de todos los matices existentes en la formas y cómo se comporta la luz en esas formas. Una botella blanca al dibujarla no es blanca, tiene sombras, tiene profundidad, probablemente lo que quede blanco es sólo un detalle donde la luz le llega directamente, pero todo el resto serán matices de grises.
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| Mi set personal de materiales |
Ok, ahora si vayamos a lo que es el retrato en sí y los materiales que usaremos. Seguramente recuerdan cuando pongo el detalle técnico de un retrato como: "Retrato hecho en lápices grafito 2B, 4B, 6B, 7B, 8B y portaminas HB 0.7". ¿Qué son esas letras y esos números? Tienen que ver directamente en la elección de materiales. Existen tres grupos de lápices grafito, los "H" que son de grafito duro, por lo tanto en el papel se verán grises bastante claros. Mientras más alto sea el número al lado de la H, más duro será el grafito y en el papel más claro se va a ver. Los grafitos "HB" son los intermedios, no tienen números asociados, sólo es un único HB. Y los "B" que son de grafito blando y en el papel los grises serán oscuros, mientras más alto el número al lado de la B, más blando será el lápiz y su trazo en el papel será más oscuro. En lo del portaminas ya deben saber que existen de diferente grosor de minas. El que yo uso es 0.7 de grosor con una mina tipo HB. Existen minas H, HB y B igual como en los lápices grafitos. La lección del tipo de grafito que usarán en su retrato depende netamente de ustedes. Por ejemplo si es una mujer rubia con un fondo claro, probablemente usarán lápices de la gama "H" y para los detalles a recalcar un lápiz de la gama "B". Claro que todo está en ustedes y la intención que le quieran dar al retrato también. Lo que a mi respecta, me encanta usar lápices blandos para mis retratos.
Les dejo un diagrama que los ayudará a entender este punto:
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| Imagen sacada de http://beatrixnet.blogspot.com/ |
Cuando le saquen punta a los lápices, háganlo con un cuchillo cartonero y con mucho cuidado, sobretodo con los grafitos blandos ya que pueden romper la punta y consumir el lápiz sólo tratando de sacarle punta. En el caso de que el lápiz tenga la punta "redonda", pueden lijarla con una lija fina.
El papel. Les recomiendo usar papel hilado para dibujo que pueden encontrar en las librerías. El resultado del grafito sobre este tipo de papeles deja un resultado bastante interesante y a mi parecer se comporta de mejor manera que un papel bond plano (el típico que usan para imprimir). Regularmente los retratos los hago de 21,6 x 28 cms (tamaño carta), pero la recomendación de artistas profesionales es que un retrato debe ser de 37,5 x 53 cms para abordar de mejor manera todos los detalles. Lo que yo les digo: comiencen a hacer sus ilustraciones del porte que más les acomode y con el tiempo, cuando vayan adquiriendo experiencia, se van poniendo metas, como por ejemplo en mi caso sería aumentar el espacio de trabajo en los retratos.
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| Goma moldeable |
Para borrar existen en las librerías las "gomas moldeables", que son como una especie de plasticina pero que en realidad es una goma de borrar. Pueden darle la forma que quieran para borrar "ese" detalle justo.
¿Todo listo? manos a la obra. En mi caso particular los modelos que uso son siempre en fotografías y nunca con modelo presencial. ¿Por qué? porque es difícil tener a alguien que no se mueva por varios minutos. Lo otro es la luz que también cambia, por lo tanto las sombras junto con ella, y si quieres seguir otro día, volver a recrear las condiciones del día anterior es una tarea imposible. Cuando hago retratos no hago una carrera en contra del tiempo, todo lo contrario, me tomo todo el tiempo del mundo para captar cada detalle y obtener un buen resultado. Por eso uso fotografías. Ya he hablado antes un poco de la elección del (la) modelo, lo que es bien importante. Te tiene que motivar captar el rostro, algo te debe cautivar. Además la fotografía modelo debe ser nítida y con buena iluminación, donde se puedan ver detalles claros, ojalá una fotografía grande para hacer más fácil la observación.
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Máscara con proceso de
sombreado comenzado |
Lo primero es dibujar con un lápiz duro (un H o el lápiz grafito más duro que tengan), la máscara del retrato, lo que vendrían a ser los contornos (cara, ojos, naris, boca, orejas, cabello, cejas, cuello, hombros, etc), sólo los contornos, nada de sombra aún y que la línea sea lo más "invisible" posible. Esto es porque, a diferencia de los dibujos y caricaturas, nosotros no tenemos una línea negra como contorno, sólo sombras, por lo tanto este débil contorno sólo nos sirve para demarcar hasta dónde llegan las sombras de cada parte. Hay personas que para no perder la proporción y hacer la máscara lo más fiel posible, usan una grilla de cuadrados a escala, para hacer más fácil la tarea y copiar por cuadrante cada línea. Esta es una técnica que no uso pero es muy popular y probablemente encuentren mucha información al respecto. Yo sólo dibujo la máscara a secas, pero si ustedes tienen problemas con las proporciones y perspectivas, les recomiendo que para empezar calquen la máscara en una mesa de luz o en una ventana donde llegue la luz del sol. Recuerden, no carguen el lápiz al hacer la máscara.
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Retrato avanzado con
sombras en proceso |
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Retrato terminado en 5 horas
aproximadamente |
Una vez que tengan lista la máscara comiencen a sombrear. Recomiendo partir por las cejas, luego los ojos, los labios, seguir con las sombras de la nariz y sombrear luego el rostro con todos sus detalles. Así después siguen con el cabello y otros detalles. Háganlo partiendo del lado contrario a la mano que usan, en mi caso soy zurdo y parto sombreando desde el lado derecho, esto es para no manchar el dibujo al arrastrar la mano por encima. Si necesitan repasar áreas donde tengan que apoyar la mano en un área que ya está pintada, usen una hoja blanca limpia, la colocan encima del área y encima de ésta se apoyan sin que se mueva la hoja, o sino mancharán de todas formas. En las sombras no se les ocurra pasar el dedo por encima, sólo lograrán manchar el dibujo, traten de sombrear sólo a punta de lápiz. En las partes oscuras vayan cambiando lápices a grafito blando y en las partes claras a grafito más duro. Qué gama de grafitos usarán queda a criterio de ustedes dependiendo del resultado que ustedes estimen conveniente. Sólo les digo que no sean tímidos con el lápiz, en su resultado final deben haber negros y blancos y toda la gama de grises que puedan obtener, nada de retratos pálidos que apenas se vean. Si en alguna parte necesitaran difuminar el grafito, háganlo con mucho cuidado con un algodón, pero no abusen de eso. El pelo siempre son líneas, al momento de hacerlo háganlo en la dirección correcta, se fijarán que las cejas son líneas cortas, las pestañas son líneas duras curvas y el cabello será como peinar al (a la) modelo hasta conseguir que se parezca. Recuerden que el cabello también está cargado de sombras y no tiene un sólo tono. Los labios tienen una forma especial, háganlos con líneas curvas verticales y marquen más oscuras aquellas líneas que sean más profundas. Practicando la observación y adquiriendo confianza con los lápices, podrán llegar a obtener resultados que los dejen bien contentos, Pero recuerden, como todo aprendizaje es un proceso, no se frustren fácilmente, hay que perseverar.
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Maria Hill - Cobbie Smulders
Grafitos 2B, 4B, 6B, 8B, 9B y portaminas HB 0.7 |
Tómense todo el tiempo del mundo, no se ataranten, trabajen con buena luz, hay artistas que dicen que una obra jamás va a estar terminada así es que disfruten creando, pásenlo bien haciéndolo. Y si tienen cualquier duda, pueden contactarme.
¡Hasta la próxima!
El stencil hasta ese momento demostraba ser una técnica gráfica muy flexible que se adaptaba a diferentes aristas artísticas.
Aún así hubo décadas donde se comenzó a utilizar con fines propagandísticos y en las guerras también para identificar vehículos militares y embalajes de armamento entre otras cosas. Pero volviendo al tema artístico (que es lo que me interesa), podemos destacar el trabajo de Robert Rauschenberg y Andy Warhol que fueron pioneros en utilizar serigrafías y plantillas para reproducir infinitamente una imagen planteando una nueva técnica artística. Esto sería un poderoso referente para el stencil callejero y para los artistas que vendrían a continuación, puesto que se utilizaron objetos o personas reconocidas para convertirlas en imágenes recordables y reproducibles (como la imagen de Marilyn Moroe). De esta forma se destacan a grandes artistas callejeros como el británico Bansky, Shepard Fairey y Blek le Rat, entre otros.
